Visite virtuelle MITRO - Capitals of Love

VISITE VIRTUELLE

 

Découvrez l’exposition de MITRO en virtuelle juste ici

 

Exposition MITRO - Capitals of Love

MITRO VERNISSAGE

 

Le 5 JUIN 2024 à partir de 18h

EXPOSITION

5 rue du Pas de la Mule – Paris

du 6 juin au 29 juin 2024

 

EXPOSITION MITRO - CAPITALS OF LOVE

MITRO VERNISSAGE 

 

Le 5 JUIN 2024 à partir de 18h

EXPOSITION

5 rue du Pas de la Mule – Paris

du 6 juin au 29 juin 2024

 

Visite Virtuelle Galerie 111 rue d'antibes, Cannes

Découvrez l’exposition de Stéphane et Jean-Louis CARRICONDO en virtuelle juste ici,

 

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Loreto VERROCCHIA

Venez découvrir les chevaux thèmes de prédilection de l’artiste. 

 

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François VANDENBERGHE

Découvrez les sculptures des empereurs des forêts équatoriales

gabonaises 

 

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Patience Albert AVETISSIAN

Voici la dernière création de l’artiste 

 

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Hoani Lis sam

ses papillons sont gages d’espoir et prouvent que tout est possible, ils sont un hymne à la Liberté.

 

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23001 Jean-Louis CARRICONDO

Sensibles, chaleureuses, colorées. ses œuvres semblent se livrer au premier regard.

 

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L'escale insulaire Le nalbaut Gérard

Ses peintures sont une ode à la sensualité.

 

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Nos évènements

CAPITALS of LOVE 

Vernissage le 5 juin à 18h, 5 rue du Pas de la Mule Paris IV

en présence de l’artiste Mitro.

Retrouvez-nous au 5  rue du Pas de la Mule à Paris

pour découvrir l’Exposition du 6 juin au 29 juin 2024.

 

 Mitro doit être l’une des signatures les plus parlantes du paysagisme d’inspiration classique en France. Ce peintre né en Roumanie en 1957 et établi en Normandie, est de ceux à qui la Figuration hexagonale doit sa renaissance des années 1990. Formé aux techniques les plus exigeantes, dont celles de la restauration d’oeuvres anciennes, telles que l’Université nationale d’art de Bucarest et plus généralement les écoles supérieures de l’ancien bloc de l’Est savaient les transmettre, ses qualités de graphiste et de photographe lui avaient alors permis de faire émerger un style neuf, auquel les nouvelles figurations post-2010 sont largement redevables. Son oeuvre peint, considérable, fascine pour cela qu’on peut considérer Mitro comme l’un des derniers peintres vraiment classiques et l’un des premiers en France à avoir pensé en termes post-contemporains.

 

D’où une esthétique qui ne pâlit pas une seconde devant les tendances émergentes. En ce sens, le choix de la galerie Vieceli de construire sa saison autour de ce peintre un peu spécial est très cohérent : en pleine accélération de ses activités, la Galerie Vieceli entend marquer les esprits en soutenant un artiste que l’on peut situer à un point d’équilibre de la création contemporaine. Cela permet d’affirmer une identité Vieceli, solide sur des choix de tradition désormais anciens, mais s’avérant par nature plastique, non-figée et, même si l’expression est galvaudée, tournée vers le futur. 

 

Leur travail commun, fructueux, respire d’emblée l’émulation et on ressort de ce voyage dans l’univers Mitro avec le sentiment d’avoir profité d’une capsule apaisée, sûr d’elle et de son propos. Le fait d’avoir construit cet accrochage sur le thème des « capitales de l’amour » est loin d’être anodin. Connu pour ses vues urbaines recomposant architectures et perspectives iconiques, Mitro a toujours frappé fort grâce à un point de vue que l’on peut qualifier de magistral, c’est-à-dire de l’ordre de la démonstration formelle pudique, réfléchie, respectueuse de ses sujets parce que consciente des enjeux du temps long de la création. Mettre en exergue la dimension amoureuse de son propos permet de rappeler que si Mitro a su produire un oeuvre peint aussi frais et dynamique au fil des années, c’est avant tout car il s’agit d’un passionné parlant avec le coeur. La galerie Vieceli de Paris apparaît dès lors comme un lieu privilégié d’échange, un lieu vraiment dédié au partage du Beau. Et cela fait un bien fou. 

 

Join us at 5 rue du Pas de la Mule in Paris
from June 6 to June 29, 2024.

Mitro must be one of the most eloquent signatures of classically inspired landscape painting in France. Born in Romania in 1957 and based in Normandy, Mitro is one of those to whom the French figurative art scene owes its renaissance in the 1990s. Trained in the most demanding techniques, including those of restoring old works, as the National Art University of Bucharest and, more generally, the higher schools of the former Eastern bloc knew how to transmit, his qualities as a graphic artist and photographer enabled him to develop a new style, to which the new post-2010 figurations are largely indebted. His considerable body of work is so fascinating that Mitro can be considered one of the last truly classical painters, and one of the first in France to think in post-contemporary terms.

 

The result is an aesthetic that doesn’t pale for a second in the face of emerging trends. In this sense, Galerie Vieceli’s choice to build its season around this rather special painter is highly coherent: in the midst of an acceleration of its activities, Galerie Vieceli intends to make its mark by supporting an artist who can be placed at a point of balance in contemporary creation. This affirms Vieceli’s identity, which is solidly based on long-standing traditional choices, but is by nature plastic, non-digital and, even if the expression is overused, forward-looking.

 

Their fruitful work together immediately exudes emulation, and we emerge from this journey into the Mitro universe with the feeling of having enjoyed a calmed capsule, sure of itself and its purpose. The fact that this exhibition is based on the theme of “love capitals” is far from insignificant. Well-known for his urban views that recompose iconic architecture and perspectives, Mitro has always struck a chord thanks to a point of view that can be described as masterly, i.e. of the order of a modest, thoughtful formal demonstration, respectful of its subjects because it is aware of the stakes involved in the long process of creation. Highlighting the amorous dimension of his work reminds us that if Mitro has been able to produce such a fresh, dynamic body of work over the years, it is above all because he is a passionate man who speaks from the heart. The Vieceli gallery in Paris therefore appears to be a privileged place for exchange, a place truly dedicated to sharing the Beautiful. And that does us a world of good.

 

 

 


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François VANDENBERGHE

Bientôt, de nouvelles sculptures de l’artiste !

La galerie Vieceli vous propose de découvrir l’artiste François VANDENBERGHE un artiste sculpteur animalier né en 1951 à Courville sur Eure. Autodidacte, il a mené une vie d’aventurier, son voyage le plus marquant fut son long séjour au Gabon, où il a vécu pendant 27 ans. Il fut profondément fasciné par un animal sauvage des forêts équatoriales gabonaises :le pachyderme d’Assala, son animal de prédilection et d’inspiration

 

New sculptures by the artist coming soon! The Vieceli gallery invites you to discover the artist François VANDENBERGHE, an animal sculptor born in 1951 in Courville sur Eure. Self-taught, he led the life of an adventurer, his most memorable trip was his long stay in Gabon, where he lived for 27 years. He was deeply fascinated by a wild animal from the Gabonese equatorial forests : the Assala pachyderm, his favorite and inspirational animal.


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Taggeur - Grapheur NEBAY

Nebay découvre très tôt le monde vibrant du graffiti et du tag. Fasciné par cette forme d’art urbain, il rejoint le collectif JCT (“Je Cours Toujours”), un groupe de graffeurs qui laisse une empreinte indélébile sur la scène parisienne. Ce collectif devient pour lui une école d’expression artistique où il développe son style unique. Il s’inspire de figures emblématiques telles que JonOne, Jackson Pollock, Mode 2 et Sam Francis. De JonOne et Mode 2, il hérite l’énergie et la dynamique du graffiti, tandis que Pollock et Francis lui apportent l’exploration de l‘abstraction et du dripping. Ces influences se fondent dans ses œuvres pour créer un style caractérisé par des compositions très impulsives et colorées, où l’énergie explosive se manifeste par le dripping et d’autres techniques expressives.

 

Nebay est connu pour ses œuvres empreintes d’une énergie vibrante. Ses peintures sont accessibles et compréhensibles par tous, tout en invitant le spectateur à découvrir des messages cachés qui se révèlent sous 

certains angles. Il excelle dans diverses formes d’expression graphique : le tag, le flop, le graff, le block (répétition de tags), le freestyle, le dripping, la compression, l’affiche, et la double toile. Cette polyvalence lui permet d’explorer constamment de nouvelles avenues créatives et de maintenir une production artistique prolifique. Les œuvres de Nebay sont souvent des nébuleuses abstraites où se mêlent lettres, chiffres et encodage, créant un langage visuel complexe et intrigant. Il utilise des couleurs vives et des formes dynamiques pour transmettre des émotions brutes. Son art, bien que résolument urbain, transcende les simples graffitis pour atteindre une profondeur esthétique et conceptuelle.

 

Nebay est un artiste hyperactif, son tag étant omniprésent dans les rues de Paris. En 2002, il entreprend un périple artistique à travers la Russie, la Mongolie et la Chine, une expérience qui enrichit sa vision et son art. De retour à Paris, il réalise une série de 100 affiches numérotées qu’il colle dans des abribus, transformant ainsi les espaces publics en galeries d’art éphémères. Avec son énergie inépuisable et son amour pour la couleur et l’expression, Nebay reste un pionnier du graffiti et du street art français. Son parcours, marqué par une exploration constante et une polyvalence impressionnante, témoigne de sa passion et de son engagement envers l’art. Ses œuvres, accessibles et mystérieuses à la fois, continueront à enrichir le paysage artistique urbain et à inspirer de nouvelles générations de créateurs.

 

 

Nebay discovered the vibrant world of graffiti and tagging at an early age. Fascinated by this urban art form, he joined the JCT collective (“Je Cours Toujours”), a group of graffiti artists who left an indelible mark on the Paris scene. This collective became a school of artistic expression for him, where he developed his unique style. He drew inspiration from iconic figures such as JonOne, Jackson Pollock, Mode 2 and Sam Francis. From JonOne and Mode 2, he inherited the energy and dynamics of graffiti, while Pollock and Francis brought him the exploration of abstraction and dripping. These influences merge in his work to create a style characterized by highly impulsive and colorful compositions, where explosive energy manifests itself through dripping and other expressive techniques.

 

Nebay is known for his vibrantly energetic works. His paintings are accessible and understandable to all, while inviting the viewer to discover hidden messages that reveal themselves at certain angles. He excels in various forms of graphic expression: tag, flop, graffiti, block, freestyle, dripping, compression, poster and double canvas. This versatility enables him to constantly explore new creative avenues and maintain a prolific artistic output. Nebay’s works are often abstract nebulae where letters, numbers and encoding mingle, creating a complex and intriguing visual language. He uses vivid colors and dynamic shapes to convey raw emotion. His art, though resolutely urban, transcends simple graffiti to achieve aesthetic and conceptual depth.

 

Nebay is a hyperactive artist, his tag being omnipresent on the streets of Paris. In 2002, he embarked on an artistic journey through Russia, Mongolia and China, an experience that enriched his vision and his art. On his return to Paris, he produced a series of 100 numbered posters, which he stuck in bus shelters, transforming public spaces into ephemeral art galleries. With his inexhaustible energy and love of color and expression, Nebay remains a pioneer of French graffiti and street art. His career, marked by constant exploration and impressive versatility, bears witness to his passion and commitment to art. His works, both accessible and mysterious, will continue to enrich the urban artistic landscape and inspire new generations of creators.

 


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Steve PITOCCO

Né en 1977 dans la banlieue parisienne, Steve Pitocco grandit dans un environnement dynamique et culturellement riche. À l’âge de 15 ans, il découvre la culture hip-hop, un mouvement qui va profondément influencer sa vie et son art. Attiré par l’énergie et l’expression brute du graffiti, il rejoint le crew JCT (« Je Cours Toujours »), un collectif de graffeurs qui lui permet de plonger dans cet univers créatif et subversif.

 

Poursuivant sa passion pour l’art et le design, Steve obtient en 2001 un master de design. Ses compétences exceptionnelles et son style unique lui ouvrent les portes de grandes maisons comme Reebok, Lacoste, G-Shock, Dunhill, et New Era. Cette expérience professionnelle enrichissante lui permet d’affiner son savoir-faire, de développer son univers graphique et d’élargir son horizon créatif. En parallèle de sa carrière dans le design, Steve Pitocco continue de peindre et de développer son propre style artistique. Influencé par des artistes comme Mode 2, pionnier du graffiti en France, et Salvador Dalí, maître du surréalisme, Steve mélange habilement le street art et le classicisme des grands maîtres de la peinture. Ses œuvres se caractérisent par des compositions en noir et blanc et une esthétique de l’esquisse, où chaque trait semble capturer un instant fugace de mouvement et d’émotion.

 

Lors d’un séjour à Barcelone, Steve Pitocco conçoit le “cœur ailé”, qu’il nomme “Koeurele”. Ce symbole incarne la liberté et devient une signature récurrente dans ses œuvres et les murs de Paris. Le “Koeurele” représente l’essence même de sa philosophie artistique : une fusion de passion, de mouvement et de liberté d’expression. Cherchant constamment à innover, Steve Pitocco crée une technique de peinture unique qu’il nomme le “FILING”.

 

Cette méthode atypique consiste à peindre avec un fil de matière, un alliage précis de différentes substances. Contrairement aux techniques traditionnelles, le pinceau ne touche jamais le support. Artiste complet, dont le parcours reflète une quête constante de nouvelles formes d’expression. De ses débuts dans le graffiti à la création de la technique du Filing, en passant par son influence dans le monde du design, il reste un innovateur et un explorateur infatigable. Ses œuvres continuent d’inspirer et de captiver.

 

 

Born in 1977 in the suburbs of Paris, Steve Pitocco grew up in a dynamic and culturally rich environment. At the age of 15, he discovered hip-hop culture, a movement that would profoundly influence his life and art. Attracted by the energy and raw expression of graffiti, he joined the JCT (“Je Cours Toujours”) crew, a collective of graffiti artists that allowed him to immerse himself in this creative and subversive universe. Subversive world. Pursuing his passion for art and design, Steve obtained a master’s degree in design in 2001. His exceptional skills and unique style opened the doors to major brands such as Reebok, Lacoste, G-Shock, Dunhill and New Era. This enriching professional experience enabled her to hone her skills, develop her graphic universe and broaden her creative horizons. In parallel with his design career, Steve Pitocco continues to paint and develop his own artistic style. Influenced by artists such as Mode 2, France’s graffiti pioneer, and Salvador Dalí, master of surrealism, Steve skilfully blends street art with the classicism of the great masters of painting. His works are characterized by black-and-white compositions and a sketchy aesthetic, where each stroke seems to capture a fleeting moment of movement and emotion.

 

During a stay in Barcelona, Steve Pitocco conceived the “winged heart”, which he named “Koeurele”. This symbol embodies freedom and becomes a recurring signature in his work and on the walls of Paris. The “Koeurele” represents the very essence of his artistic philosophy: a fusion of passion, movement and freedom of expression. Constantly seeking to innovate, Steve Pitocco creates a unique painting technique he calls “FILING”. This atypical method involves painting with a thread of material, a precise alloy of different substances. Unlike traditional techniques, the brush never touches the support. A complete artist whose career reflects a constant quest for new forms of expression. From his beginnings in graffiti to the creation of the Filing technique, via his influence in the world of design, he remains a tireless innovator and explorer. His work continues to inspire and captivate.

 

 


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Joss BLANCHARD

Joss BLANCHARD est née dans le sud de la France, et débute sa carrière à l’âge de 20 ans. Peintre portraitiste d’arbres, ils occupent une place centrale dans son univers artistique. Elle les représente comme des entités à part entière, capturant leur essence unique. Par sa technique singulière, les effets de reliefs donnent vie aux écorces avec un réalisme saisissant, contrastant avec les vibrations multicolores des feuillages. Son art, en apparence figuratif, fusionne avec l’abstraction lyrique, mêlant feuillage abstrait et troncs évocateurs. Préoccupée par leur préservation, elle s’est interrogée sur la façon dont sa peinture pourrait contribuer à les protéger. C’est ainsi qu’est né en 2019 le projet “Œuvrer pour la Nature !”, en partenariat avec l’association A.R.B.R.E.S. Son engagement l’amène à sensibiliser le public, en particulier les enfants, à travers des expositions engageantes.

 

Joss BLANCHARD was born in the South of France, and began her career at the age of 20. A portrait painter of trees, they occupy a central place in her artistic universe. She depicts them as entities in their own right, capturing their unique essence. With her unique technique, the relief effects bring the bark to life with striking realism, contrasting with the multicolored vibrations of the foliage. Her seemingly figurative art merges with lyrical abstraction, blending abstract foliage with evocative trunks. Concerned by their preservation, she wondered how her painting could help protect them. This is how the project “Œuvrer pour la Nature!” was born in 2019, in partnership with the association A.R.B.R.E.S. Her commitment leads her to raise public awareness, particularly among children, through engaging exhibitions.


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Hervé LOILIER

Hervé LOILIER, est né en 1948 à Paris. Diplômé en 1970 de l’École Polytechnique et de l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, Hervé Loilier fut l’élève de Pierre Jerome et de Lucien Fontanarosa. Il a été professeur d’arts plastiques à l’École Polytechnique de 1973 à 2012. En parallèle il poursuivait son œuvre picturale. La peinture d’Hervé Loilier à cette faculté de nous procurer la sensation d’avoir toujours appartenu à notre histoire. On s’y retrouve en pays de connaissance, entre onirisme et réminiscence. 

 
On rentre dans l’univers éblouissant du peintre comme on part en voyage, avide de découvertes et saisi par les vibrations de couleurs chatoyantes que nous chantent des odalisques mystérieuses. Hervé Loilier est attaché à l’harmonie et à la beauté des formes, et nous délivre un message sensoriel. Si le sujet est figuratif, le langage pictural intègre les découvertes de l’abstraction. L’atmosphère y est poétique et envoûtante, l’ombre et la lumière nous entraînent aux confins de pays mystiques. C’est dans une délicieuse flânerie que nous invite aujourd’hui la Galerie Vieceli, au travers d’œuvres subtiles et raffinées, riche des reflets et des trésors dont Hervé Loilier s’est nourri lors de périples enchantés entre Orient et Occident.

 

Hervé LOILIER was born in Paris in 1948. A 1970 graduate of École Polytechnique and École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, Hervé Loilier studied with Pierre Jerome and Lucien Fontanarosa. From 1973 to 2012, he taught visual arts at the École Polytechnique. At the same time, he pursued his painting career. Hervé Loilier’s paintings give us the sensation of having always belonged to our history. We find ourselves in a land of knowledge, between dream and reminiscence.

 

We enter the painter’s dazzling universe as if on a journey, eager to discover and seized by the vibrations of shimmering colors sung by mysterious odalisques. Hervé Loilier is attached to the harmony and beauty of form, and delivers a sensory message. While the subject is figurative, the pictorial language incorporates the discoveries of abstraction. The atmosphere is poetic and enchanting, with light and shadow taking us to the edge of mystical lands. Galerie Vieceli invites us to take a delightful stroll through a subtle and refined body of work, rich in the reflections and treasures that Hervé Loilier has nourished on enchanted journeys between East and West.


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